EL BARRIO GÓTICO DE BARCELONA

Uno de mis lugares favoritos dentro de la gran urbe que es la ciudad de Barcelona, donde yo vivo, se encuentra el barrio gótico. Te adentras a la época medieval como de una manera mágica.

Se inicia desde la Plaza San Jaime, donde se encuentra el Ayuntamiento Central de Barcelona y la Generalitat. Esta plaza era un antiguo foro romano y los edificios nombrados tienen una parte de estilo neoclásico y gótico.

Las famosas Ramblas de Barcelona son las que dividen en dos partes ,podríamos decir, el barrio gótico. La parte de la derecha (como si bajáramos hacia el mar) se encuentra el tradicional barrio Chino y del Raval, donde podemos encontrar varios edificios culturales como: el museo de Arte contemporáneo. Por el otro lado, el izquierdo, (el que más me he enfocado) es la parte del barrio de la Catedral de Barcelona (como antiguamente se conocía), y como también dicen es el corazón de la ciudad Condal.El barrio gótico se caracteriza por unas calles estrechas, sinuosas, llenas de gracia y encanto. Te pierdes en ellas recreándote en curiosas formas y detalles arquitectónicos que vas encontrándote a lo largo del recorrido.

CRESTERÍA Y GÁRGOLAS.

También encontramos varios edificios culturales dentro de un laberinto empedrado que se denominaba antiguamente la colonia Barcino, del siglo I d. C. Y entre los siglos XIII-XV dan lugar al Barrio Gótico, llamado así desde 1926.

También podemos observar las diferentes esculturas en los rincones de las calles, como la de Santa Eulalia (antigua patrona de Barcelona) y de algunos santos que pertenecen a la Iglesia.




HORNACINA




Este es un pequeña guía de lo que uno puede ver si se adentra por estas estrechas calles de la ciudad condal... os dejo unas imágenes más con diferentes elementos artísticos como la cartela, contrafuerte, geminada...

Acrópolis Atenas

En la Atenas de Pericles, durante la segunda mitad del siglo V a.C., un grupo excepcional de artistas transformó, bajo la dirección de Fidias, una colina rocosa en un extraordinario conjunto arquitectónico y artístico que la Grecia antigua legó al resto del mundo.

La Acrópolis de Atenas, «la roca sagrada», es una meseta caliza de 270 metros de longitud y 85 de anchura, situada 156 metros sobre el nivel del mar, que contiene los monumentos más famosos de la Grecia clásica: el Partenón, el Erecteion, los Propileos y el templo de Atenea Niké y representa el símbolo universal del espíritu y la civilización clásica.

Fue declarada por la UNESCO Patrimonio de la Humanidad en 1987.

La visita a la Acrópolis supone una experiencia única e inolvidable, obligada para cualquier viajero que pase por Atenas.

Propileos

La entrada a la Acrópolis se realiza por una puerta monumental llamada «Propileos».

Entrada a la Acrópolis

A la derecha  se erige el Partenón
Fue concebido como el principal edificio de todo el conjunto.
Fidias realizó la colosal escultura crisoelefantina (madera revestida de marfil y oro) de 12 metros de altura, la Atenea Parthenos (Atenea Virgen) y para cobijarla se construyó el Partenón sobre el inacabado Hecatompedón, templo del que se aprovecharon algunos materiales. Los arquitectos Ictinos y Calícrates calcularon todo con minuciosidad, para producir en el espectador una imagen de perfección. Se construyó en orden dórico.




Friso del Partenón

A la izquierda se dispone el Erecteión .
Templo jónico, fue construido en el periodo 420-406 a.C. ne el lugar más sagrado de la Acrópolis.Está construido en 2 niveles, es asimétrico y tiene 2 partees que no está comunicadas entre sí, debido a que estaban dedicadas a diferentes dioses. La parte este está dedicada a Atenea y la oeste a Poseidón y otros dioses. En la fachada sur tiene una tribuna sustentada por cariátides.

Cariátides.
Figuras de las korés que sostienen la galería sur del Erecteion son copias. Cinco de las seis originaels se encuentran en el museo de la Acrópolis y la sexta en el Museo Británico.

El Templo de Zeus Olímpico, también conocido como «Olimpeion» está situado a unos 500 metros al sureste de la Acrópolis.

En las épocas helenística y romana fue el templo más grande del mundo conocido. Se construyó en mármol del monte Pentélico y medía 96 metros de largo y 40 metros de ancho.
Constaba de 104 columnas de orden corintio, todas de 17 metros de alto, de las cuales 48 estaban colocadas en filas triples bajo los frontones y 56 en filas dobles en los lados. Se conservan 16 columnas de las cuales sólo 15 están actualmente en pie. La decimosexta fue derribada durante un temporal en 1852 y está todavía tumbada donde cayó.

Finalmente el Agora

Espero que os haya gustado este viaje por la Antigua Grecia

Museo Vasa Estocolmo

Museo Vasa

El Museo Vasa, en sueco Vasamuseet es un museo situado sobre la isla de Djurgården, en Estocolmo en Suecia. Abrió sus puertas en 1990 y es el museo más visitado de toda Escandinavia, con alrededor de 800.000 visitantes al año.

Proa del Barco Vasa

Alberga el único buque del siglo XVII aún intacto, el Vasa. Alrededor de este buque, se sitúan varias exposiciones que informan de su historia y presentan los objetos que estaban a bordo.

Maqueta del Barco Vasa

El Vasa fue un navío de guerra sueco construido por órdenes del rey Gustavo II Adolfo de Suecia, de la casa de Vasa entre 1626 y 1628. El Vasa naufragó en su viaje inaugural, el domingo 10 de agosto de 1628, en el puerto de Estocolmo.

Popa del  Barco Vasa

 El barco fue rescatado el 24 de abril de 1961 y se encuentra expuesto en el museo homónimo en Estocolmo.

El buque estaba armado de 64 cañones colocados en tres puentes: el superior, batería alta y batería baja. El Vasa desplazaba más de 1.300 toneladas.

Cañón del Barco Vasa

La superficie velera era de 1.150 m².

Todas las piezas eran de bronce y un peso total de unas 80 toneladas.

 Se calcula la dotación del Vasa en ciento treinta marineros y trescientos soldados.



Cubierta del Barco Vasa



Al dejar el muelle en su primer viaje una fuerte ráfaga de viento azotó al Vasa y el barco volcó al llevar demasiada carga que no estaba bien atada.

La mayor parte de la carga se fue al otro lado del buque lo que reforzó el zozobrar del buque.

Vista de Estocolmo

Parque Vigeland Oslo



Parque Vigeland Vista Central





El Parque de las Esculturas de Oslo o Parque Vigeland está situado en el interior del Frognerparken que es el parque público más grande de Oslo, al oeste de de la ciudad. Allí se encuentra la exposición permanente de las esculturas del noruego Gustav Vigeland, más de 200 esculturas a modo de museo al aire libre creadas por el escultor en la primera mitad del siglo XX.

Estas esculturas de bronce y hierro simbolizan el ciclo vital del hombre, el viaje del hombre desde la cuna a la tumba, a través de la felicidad, del dolor, la fantasía, la esperanza y los deseos de eternidad.

Destaca entre ellas: El Monolito, un bloque único de granito de unos 17 metros de altura y esculpido con más de 100 figuras humanas desnudas y entrelazadas que parecen querer trepar hasta el cielo.



El Monolito





La Fuente que es el corazón del parque en la que a través de figuras humanas y animales se representan imágenes oníricas relacionadas con el tiempo y el espacio.

La rueda de la vida que se encuentra al final del parque enclavada en un horizonte verde y en la que se pueden ver varias figuras humanas que se enlazan formando un cículo de granito.

La rueda  de la vida

La entrada al parque es gratuita y recomiendo su visita a los amantes de la naturaleza y del arte.



Foto  La Maternidad



Foto El beso





La Madonna Sistina

Este fin de semana tuve la oportunidad de visitar la ciudad de Dresde, a 2 horas de Berlín, aparte de ser una ciudad encantadora su Galería de Pintura de Maestros Antiguos, ubicada en el palacio Zwinger - obra de arte de la arquitectura Barroca - es uno de los más importantes de Europa.
Me encantaría contar de varias cosas interesantes que vi pero en vista de su fama voy a comentar de la “Madonna Sixtina” porque ¿quién no conoce los famosos angelitos?
La Madonna Sixtina es una pintura al oleo sobre tela del famosos maestro italiano Rafael Sanzio. Fue realizada alrededor de 1513-1514. La obra mide de 265cm por 196cm.
El cuadro fue realizado bajo encargo del Papa Julio II para el Convento de San Sixto (de ahí el nombre) de Piacenza. Otra teoría afirma que fue para la tumba del propio prelado.
Al momento del encargo, Rafael era uno de los dos más importantes artistas de la época, junto con Miguel Ángel.
La tela de una simplicidad exquisita presenta en el centro a una virgen María joven que desciende hacia el mundo terrenal con el niño Jesús en brazos. El cielo está representado por una nube de cabezas de querubines difíciles de distinguir al primer momento. La tierra está representada en los pies descalzos de la Virgen y en el parapeto en el que se apoyan los dos angelitos y que separa el espacio divino del terrenal donde se encuentra el espectador.
A la derecha de María se inclina San Sixto quien con su mano derecha nos señala a nosotros los hombres, a la izquierda se arrodilla humildemente Santa Bárbara que se reconoce porque sobre su hombro se vislumbra la torre donde fue encerrada. Estos dos santos eran venerados en la iglesia de San Sixto. Se hace alusión al papa a través de la tiara papal de tres coronas que se ubica sobre el parapeto bajo el santo.
La virgen mira directamente al espectador- los fieles y su caminar se acentúa por los movimientos de su ropa que al ser levemente levantados por el viento acentúan la figura de la mujer y que es característica de las pinturas de Rafael. Trae a su hijo del cielo y en su mirada serena pero cargada de sentimiento se adivina que conoce el destino que tendrá el niño, lo acepta y nos lo comparte. La seriedad del niño parece decirnos lo mismo. En realidad todos en el cuadro lo saben y saben que nosotros también. Es un juego circular de miradas conscientes que se presenta por primera vez gracias a la maestría del gran pintor del Renacimiento. Hasta este momento no ha habido una obra que involucre de una manera tan teatral al fiel que pasa a ser parte fundamental de lo que está sucediendo.1 Los pintores máximo representaban a algún personaje dirigiéndose al espectador y encaminándolo hacia el centro de la acción.
Los ángeles tienen la función de separar los espacios, dar una sensación de perspectiva y quizá restar un poco de dramatismo a la situación por medio de un recurso de alguna manera divertido2.
La paleta de colores usada es de tonos fríos con unos detalles de rosado y dorado. La estructura es como de un rombo con el vértice superior en la cabeza de la figura principal, los laterales en los santos y el inferior en los ángeles.
El cuadro se inscribe plenamente en los cánones del renacimiento y reitera lo que dice Gombrich sobre el artista: su maestría para crear imágenes de extrema dulzura, gran sencillez pero profundamente estudiadas y llenas de vida además de ser parte de un equilibrio perfecto donde nada es demasiado y cualquier cosa de menos se sentiría.

1 http://it.wikipedia.org/wiki/Madonna_Sistina
2 http://www.strangeart.it/2011/06/la-madonna-sistina-di-raffaello-analisi-in-video/
http://mv.vatican.va/1_CommonFiles/pdf/Eventi/convegni/04_madonna_sistina.pdfE. H. Gombrich. La historia del arte. D

Primera exposición de Cristina Otero.

“El otro él mismo: Otra para sí misma”: es el confuso título de la exposición que la joven artista de tan solo quince años Cristina Otero inauguró el pasado día quince de octubre, y que podrá verse hasta el próximo 10 de diciembre, estrenando la galería valenciana Kir Royal, dedicada a la fotografía contemporánea. La exposición es colectiva y otros autores exponen también obra fotográfica relacionada con el retrato; pero el lugar preeminente de la exposición lo inunda Cristina, y dado el gran formato que exhiben sus obras, los otros fotógrafos se muestran como mera comparsa, tal vez en un trato poco afortunado para algunos magníficos autores.













El director artístico de este nuevo espacio expositivo, Jorge López, describe la relación con la fotógrafa como un encuentro. No ha de extrañar tal apreciación, dado que Cristina Otero posee miles de seguidores de todo el mundo en las redes sociales gracias a sus imágenes. Basta con buscar “Cristina Otero Photography” desde Google para obtener más de tres millones de resultados.

Pero es esta la primera vez que muestra sus imágenes en postproducción, positivadas sobre papel (impresas) y lo hace con imágenes de gran formato, luminosas, muy saturadas y contrastadas, sobre papel brillante. Impecables. Es este uno de los aspectos más sorprendentes, pues con imágenes cuyo medio natural es internet, cabría suponer que tienen baja resolución y que no soportarían este nivel de ampliación.

Las fotografías son autorretratos donde la autora sufre continuas metamorfosis a manos del maquillaje, el disfraz, la pose, la expresión, la imaginación y la manipulación por software. Su edad es uno de los valores de su trabajo, no por su especial virtuosismo, sino porque evidencia una intencionalidad surgida a partir de una generación inmersa en una cultura visual deslumbrante, cuyos patrones de imagen y artificio inundan un mundo adolescente nuevo y efervescente asentado sobre la comunicación cibernética. Es su base social la que sustenta su obra desde la perspectiva conceptual, sus seguidores en todo el mundo pendientes de sus imágenes forman parte del fenómeno artístico en sí mismo. Su gran imaginación la sustenta desde la perspectiva formal. Es la postfotográfia: el “instante decisivo” de Cartier Bresson ya pasó; en el siglo XXI hay que “imaginar” la fotografía antes de hacerla.

Una visita que no defrauda.